Bizimle İletişime Geçin

Eleştiri

Reçetemiz Hokus Pokus: Doktorumuz Stephen Strange

Cüneyt Kara değerlendirdi.

Yayınlandı

tarihinde

Cüneyt Kara değerlendirdi.

Marvel ve DC‘nin çizgi roman dünyasındaki rekabetleri sinematik evrende iyice kızışmaya başladı. Neredeyse her sene bir çizgi roman uyarlamasını vizyona sokan iki şirketin en verimlisi Marvel, bu hafta yeni filmi Doctor Strange ile sinemalarda.

Filmin konusu klasik süper kahraman hikayelerinin şablonlarından çok farklı değil. Dahi bir sinir cerrahi uzmanı olan Stephen Strange (Benedict Cumberbatch), en önemli uzvunu yani ellerini trajik bir biçimde kaybeder. Ellerini eski haline döndürmek için bir büyücü grubunu bulmaya çalışan Strange, bu uzun yolculuğu sonunda The Ancient One isimli bir büyücü tarafından eğitilmeye başlanır. The Ancient One ve ibadethanesi, değişik paralel boyutlardan çektikleri mistik güçler ile mekanlar arasında portallar açabilen, etraflarındaki binaların yapılarını değiştirebilen, düşünce gücü ile havadan silahlar yapabilme güçlerine sahiplerdir. Strange, ilk başta bu güçleri kendisini iyileştirebilmek için kullanmak ister, fakat zaman ilerledikçe The Ancient One kendi egosundan ötede bir evren olduğunu Strange‘ye göstermeye başlar.

Filmin yönetmeni bu tarz bir filme çok yabancı bir isim olan Scott Derrickson. Daha çok korku filmleri ile tanınan bir isim. Sinister ve The Exorcism Of Emily Rose gibi başarılı filmleri olan Derrickson ilk kez bu kadar büyük bir bütçe ile çalışıyor. Bir çizgi roman uyarlamasının genel geçer bütün yönetmenlik kurallarına uyuyor. Patlamalar, dinamik kurgu,çizgi roman karelerini aratmayan çerçevelemeler ile kamera hareketleri. Peki öyküye ne gibi orijinallik katıyor? Dönüşüm hikayesini anlatırken aceleci davranmıyor,tempoyu da çok düşürmeden baş karakterin giriş hikayesini hellim peyniri gibi uzatmaktansa bunu kısa kesip filmin geneline yayıyor. Filmi henüz izlememiş olanlar, fragmanlardan filmin Inceptionvari sahnelerini hatırlayacaklardır. Bu sahneler ister istemez insanda biraz araklama hissi uyandırsa da filmin konusu ve karakterleri ile uyumlu. Neticede büyücülerin dünyasından bahsediyoruz. Ve yetenekleri arasında da bu tür atraksiyonlar var.

Stephen Strange çizgi romanlarda yaşı gayet olgun bir karakter. Film proje aşamasındayken birçok oyuncu ile görüşüldü. Sonunda rol Sherlock ile bir anda gözde bir oyuncu olan Benedict Cumberbatch‘a gitti. Makyaj ile yaş işini halletmişler ve bu durum şaşırtıcı bir şekilde hiç sırıtmıyor. Eğer çizgi romanın hayranı iseniz bu değişiklik çok gözünüze batmayacaktır.
Doctor Strange, Marvel filmlerinin o parlak ve sürekli aksiyonun devam ettiği klasik yapımlarından birisi. Fakat korku filmlerinden gelen bir yönetmeni arkasına alan yapım bunun avantajlarını kullanıyor ve yer yer bir Marvel filmi için gayet karanlık öğelerle karşılaşıyoruz. Yine de bir DC filmi atmosferi de beklemeyin. Başrol oyuncusunun performansı –Cumberbatch‘ın muhteşem ses tonu da cabası- bir korku filmi yönetmeninin Marvel öyküsüne getirmeye çalıştığı karanlık ton ve görsel efektleri birde uzak doğu severleri için Tibet. Film ana-akım sinemanın tüm kodlarını ustaca kullanıyor size de koltuğunuza oturup eğlenmek kalıyor.

Okumaya Devam Et
Sponsorlu İçerik
Yorum Yapmak İçin Tıkla

Cevap Yaz

E-posta hesabınız yayımlanmayacak. Gerekli alanlar * ile işaretlenmişlerdir

Eleştiri

Eleştiri: Minari

Seher Kavut, Lee Isaac Chung imzalı Minari filmini inceledi.

Yayınlandı

tarihinde

tarafından

“Minari veya Omezhnik ise yararlı, şifalı bir bitkidir. Asya’da özellikle Çin, Kore ve Japonya’da çeşitli kronik hastalıkların tedavisinde kullanılmaktadır. Doğulular bu bitkinin karaciğer ve mide için çok faydalı olduğunu iddia ederler.”

Her yıl, ana temanın insanların göçü olduğu daha çok film izlemeye başladık. Çoğunlukla, bu tür filmlerin çok fazla dramatik etkisi yoktur, dokunaklı bir şekilde sosyaldir. Bu filmler göçmenlerin ve yerli halkın kendilerinin doğrudan dahil olduğu daha küresel bir sorunu ortaya koyar. Ancak bu çoğunlukla Avrupa sineması için geçerlidir. Lee Isaac Chun’un “Minari“sine yaklaşırken, bu indie filminin yeni bir ülkede kalıp, oraya alışmakla ilgili olmadığını, aile gibi bir kavramın ne olduğuyla ilgili olduğunu hemen eklemek gerek. Bu film bir aile hakkındadır, uyum ve birliğin bir insanda nasıl en iyi niteliklere yol açtığı fikrini ortaya koyar.

Daha spesifik olarak Minari, bir süre Kaliforniya’da yaşadıktan sonra tek amacı yeni bir hayat inşa etmek için Arkansas’a taşınan Koreli bir ailenin hikayesini anlatır. Bir karavanları ve ailenin reisi Jacob’ın kendi çiftliğini kurmaya karar verdiği tarlaları vardır. Geçmiş yaşamdan her şeyi atan aile, doğanın koynuna yerleşir. Ve göçmenlerin diğer insanlarla nasıl geçindikleri, yabancı bir devletin kısır sistemiyle nasıl yüzleştikleri konusundaki sosyal çağrışımları burada görmeyeceğiz, hayır, film bu konuyla ilgili bir hikaye değildir. Elbette kahramanlar dış sorunlarla karşılaşırlar, ancak bu hikaye göründüğünden daha açıktır. Bu kahramanlardan bahseden Lee Isaac Chun, ailede belli belirsiz oluşan çatlaklardan bahseder.

Bir dereceye kadar “Minari“, çocukluğu benzer şekilde Arkansas’ta bir çiftlik ortamında geçen Lee Isaac’in biyografik bir yansıması olarak adlandırılabilir. Andrei Tarkovsky’nin en güzel anıların çocukluğumuzdan kaldığı fikrini miras bıraktığı gibi, Minari de Amerikalı yönetmenin filmine ne kadar hürmetle yaklaştığını tam olarak böyle gösterir. Diyaloglarla aktarılan tüm bu incelik, güneş ışınlarında yakalanan çocuksu duygular ve geleneksel bağımsız sinema şablonlarında boğulmasını engellerken filmi saran sadelik kendini daha iyi hissettirir. Koreli aileyi anlatının merkezine yerleştiren film, sadece ailenin korunmasını değil, aynı zamanda Amerika Birleşik Devletleri gibi çok uluslu bir ülkede kendi kültürünün korunmasını da anlatır.

Filmin en hoş özelliklerinden biri, aile biriminin bütünlüğüne rağmen, tüm karakterlerin dini bir yönelim de dahil olmak üzere tamamen farklı görüş ve inançlara sahip olmasıdır, bu sayede hikaye orada olduğu gibi daha anlamlı, heyecan verici ve ilginç hale gelir. Sürekli bir fikir çatışması vardır. Ailenin babası yaptığı işe tüm ruhu ve bedeniyle inanır ve kararın doğruluğuna başkalarını da ikna etmeye çalışır. Eş, tam tersine, kendisine ve diğerlerine en iyi seçeneğin hala geri dönmek olacağına dair güvence vererek herhangi bir umut görmez.

İlk başlarda, film, yazarın sunumu ve üslup atmosferinin tanınabilir bir özgünlüğü ile modern Amerikan bağımsız dramasının ayak izlerini takip eder, ancak daha sonra film, bir torun ve bir büyükanne arasındaki eğlenceli bir çatışma ile gerçek bir Kore komedi melodramına dönüşür. Ancak sonunda film, sanki kaderin, aile ilişkilerinin gücünü ve kendine olan inancını test etmeye karar vermiş olması gibi iç karartıcı bir dramaya dönüşür. Elbette türlerin çeşitliliği filme, Kore sinemasının formatını daha çok anımsatan özel bir estetik kazandırır, ancak genel olarak bu film insan yaşamının aileyi, aşkı ve hayalleri etkileyen önemli yönleri hakkında iyi çekilmiş bir Batı çalışmasıdır.

Teknik bileşenden bahsetmişken, yapım oldukça mütevazı, ancak hikayenin kendisi ve ana karakterler son derece olumlu duygular uyandırdığı için sınırlı bütçe genel izleme deneyimini bozmaz. Filmdeki diyalogların neredeyse tamamının Korece olduğu, film Amerikan filmi olmasına rağmen, dilin önemini vurgulayarak kahramanların geçmişi (tarihi kökleri ve Kore kültürü) ile gelecekleri arasında net bir ayrım yapıldığını da eklemek gerekir. (Amerikan kültürü, Amerikan rüyası)

Ayrıca, hislerini bu aileyle anlatan Lee Isaac Chung, insanların, kültürlerin, ilgi alanlarının farklılığı fikrini de ortaya koyuyor. Birbirimizden farklı olmamız normaldir ve özellikle başka birinin ülkesinde kendimiz olmaktan korkmamıza gerek yoktur.

Minari“, olay örgüsü itibariyle küçük ama çocukluktan gelen hafif bir tadı olan, birbirine ne kadar birlik, beraberlik ve güvenin emsalsiz bir güce yol açtığını gösteren bir film. Lee Isaac, filmiyle bu kavramı aileyi sadece akrabaların ilişkisi ve birliği açısından değil, aynı zamanda kültürler ve milliyetler açısından da göstererek genişletiyor. Milletimiz ne olursa olsun hepimiz insanız ve herkesin geleneklerini geliştirme ve sürdürme hakkı vardır. Ve büyük olasılıkla, aile yuvasında, Lee Isaac Chung, günümüz dünyasındaki insanların birbirleriyle nasıl işbirliği yapması gerektiği imajını da ortaya koyuyor.

Seher Kavut

Okumaya Devam Et

Eleştiri

Eleştiri: The Father

Seher Kavut, En İyi Erkek Oyuncu ve En İyi Uyarlama Senaryo Oscar ödüllerinin sahibi The Father’ı kaleme aldı.

Yayınlandı

tarihinde

tarafından

The Father

“Tanrı bir kişiyi cezalandırmak istediğinde, onu mantığından mahrum eder.” 

Anthony Hopkins‘in kahramanı hayatında kınanacak bir şey yapmamış gibi görünüyordu, ancak Providence farklı ve metodik bir şekilde karar verir, adım adım yaşlı adamı zihinsel yönelim bozukluğundan dolayı kafa karışıklığı ve endişeye sürükler, bu da esas olarak oyun yazarı tarafından neredeyse tiyatral bir havada ve çok çarpıcı bir şekilde hissettirilir.

82 yaşındaki Anthony, Londra’daki dairesinde yalnız yaşar, kızı ise bu konuda çok endişelidir ve periyodik olarak yaşlı adam için bir hemşire bulmaya çalışır. Ancak yaşlı adam hayatında böyle bir müdahaleye karşıdır ve onunla her şeyin yolunda olduğuna inanır.  Bununla birlikte, aslında, Anthony’nin durumu bir yandan hızla kötüleşir ve bu da ilerleyen demans nedeniyle onu yavaş yavaş akıl sağlığından mahrum bırakmaya başlar.

Bu film, İngiliz tiyatrosunda başarıyla sahnelenen, elden geçirilmiş bir tiyatro oyunundan doğar. Üç kişilik oda prodüksiyonu (aslında filmde daha fazla oyuncu kullanılıyor, ancak aynı anda üçten fazla kişi asla aynı karede görünmez), tüm aksiyon bir dairenin duvarları içinde gerçekleşir. Tür “drama, komedi” olarak ilan edilse de bu filmde komik bir şey görmek neredeyse imkansızdır. Bu zor bir hastalık tarihidir, yalnız, mutsuz bir kişinin bilincinin yok oluşunun tarihidir. 

Teşhisi isimlendirmeden sadece hastalığın gelişiminde birbirini takip eden bir dizi aşamadan geçtiğini söyleyebiliriz. Birincisi, operatif hafıza başarısız olur, hasta daha önce ne olduğunu iyi hatırlar, ancak soruları cevaplayamaz, kahvaltıyı ne zaman yaptığı gibi. Ve yıllardır yaşadığı tüm anılar bir güne sıkışıp kalmış gibidir. Daha sonra hasta, ona yakın insanları tanımayı bırakır ve uzayda kaybolur(mekanlar tamamen birbirine girer). Hastalığın seyrine ani ruh hali değişimleri eşlik eder, sınırsız, motive edilmemiş eğlenceden öfke ve saldırganlık patlamalarına beklenmedik geçişler karakteristiktir. Bu geçişler aynı zamanda filmdeki “çizgi roman”ın da kaynağıdır. 

Bu inanılmaz derecede zor bir durum ve aynı zamanda yaşlılığın beraberinde getirdiği sonuçların size ve yakınınızdaki insanlar üzerindeki etkisi hakkında dürüst bir film.  Florian Zeller’in yönetmenlik yaklaşımı, bulanık gerçekliğin etkisinin elde edilmesindeki basitlikte dikkat çekicidir. Zamanın hassasiyeti filmin algılanmasında önemli bir rol oynar. Film, ilk başta gözden kaçabilecek önemsiz metaforik detaylarla iç içe geçmiş durumda ama bu küçük şeyler karakterlerin gelişiminde önemli bir rol oynar ve böylesine kafa karıştırıcı bir tuvalin şekillenmesine yardımcı olur.

Zeller‘in prodüksiyona yeni başlayan yönetmenden daha çok oyun yazarı olduğu gerçeği açıktır. Taktikleri biraz şematik ve çekingendir, araya girmeden kenardan izliyor gibi görünse de bu hikayenin dikkat çekici olmasını sağlar. Esasen bu senaryo, herhangi bir akıl hocası olmaksızın, neyi ve nasıl oynaması gerektiğini mükemmel bir şekilde anlayan mükemmel deneyimli oyuncular tarafından yönetiliyor.

Hikayeyi sunma tekniğinin hem inanılmaz derecede basit hem de aynı zamanda çok etkileyici olduğu aşikardır. Evinde büyüyen, yaşlanan ve hastalanan bir insanın gözünden filmin olayları bize gösterilir, ancak sevindirmekten ziyade fazlasıyla korkutucudur. Yakın zamanda konuştuğu kızı yerine, tanıdık olmayan bir kadın belirir, sonra biri saatini çalar ve sonra ana karakterin koltuğunda, bunu yapan belirli bir şüpheli adam vardır. Hayatınızda buna benzer bir şeyle karşılaştıysanız, ailenizden, arkadaşlarınızdan veya tanıdıklarınızdan biri bunama geçirdiğinde, filmde olan biteni hemen ilk ona işaretlemekte fayda var.

Her iki ana rol de Oscar kazananlar tarafından oynanır. Dünya sinemasının iki önemli ismi; Anthony Hopkins ve 2018 filmi The Favourite için imrenilen heykelciği alan Olivia Coleman. İlkinin oyunculuk çalışması şaşırtıcı değil, çünkü İngiliz yeteneğini uzun zamandır bilinen bir gerçek. Her zaman mükemmel yapmayı bildiği şeyi bir kez daha mükemmel bir şekilde yapar. Ancak bu sefer yıldızlar bir araya gelir ve böylece oyuncunun oyunu ona ikinci bir Oscar kazandırabildi. Coleman‘a gelince, onun rolüyle ilgili en sevilen şey, oyuncunun aşırıya kaçmaması, Hopkins‘i gölgede bırakmaya çalışmaması ve battaniyeyi kendi üzerine çekmemesi. Bunun yerine oyuncu, ekranda büyük bir başarı ile yaptığı sevgi dolu bir kızın imajını somutlaştırır.

Filmin ana teması Kral Lear’daki ile aynı çocukça nankörlüktür. Hopkins‘in neden bu film için harekete geçmeyi kabul ettiği anlaşılabilir(Kral Lear’ı oynadı ve Anthony’nin rolü Lear’ın rolüne benzerdir). Olivia Colman‘ın kahramanı, başarılı bir şekilde Cordelia gibi davranan Goneril’dir. Babasını sever ve yaşlı adamla empati kurar ama bunun bir çözümü yoktur. Piyasa ilkelerine dayalı bir toplumda yaşıyoruz. İktisat teorisi açısından hepimiz tüketiciyiz ve tüketici davranışı rasyonalite ilkesine ve fırsat maliyeti teorisine dayanır.  Herkes ebeveynlerin bakıma ihtiyacı olduğunu anlar, ancak alternatif bir zaman kullanma olasılığı vardır ve bazen tatile gidebilirsiniz. Bu kahramanımızın ise en sonunda kararı bu olur.

Anthony Hopkins sayesinde ise hikaye tamamen farklı bir seviyeye gider. Bu, en iyi olmasa da en iyi eserlerinden biridir. Karakterdeki tam çözülme, sizi olay örgüsünün içine daha da fazla sokar, bütün bir duygu gamını uyandırır ve finalde sizi sadece karşı konulmaz sonuçlar katmanıyla lekeler. Ruh hali açısından “Baba”, Mikael Haneke’nin muhteşem “Aşk” filmine benziyor. Yaşlıların yaşadığı zorlukları da ortaya koyan önemli bir tablo.

Tanıdık dünyanın yabancı ve düşmanca hale geldiği bir trajedi. Bu çok şiddetli ama gerçekçi bir film. Hopkins, bilinci değişmiş bir kişinin davranışını çok iyi aktarır. Şaşırtıcı, ancak gelecek vaat eden 82 yaşındaki bir çocuk, saygıdeğer oyuncuların performansını kıskandırabilecek yarım tonları yapar.

Filmin sonu gözyaşlarına sarılmak için ucuz hileler olmayacak, içinde yağmur, mezar ya da ana karakterleri ayıran bir çıkış treni olmayacak şekilde hazırlanmıştır. Sonunda, yapay drama geliştirmeleri olmadan bile trajik görünen varoluşun özünü keşfedersiniz. Olgun bir yaşlılığa kadar yaşamayı başarırsak, sonunda çaresizliğimizle hepimiz hayatın ilk yıllarındaki hatta aylarındaki kendimize benzer hale geliriz.

Seher Kavut

[rwp_box id=”0″]

Okumaya Devam Et

Eleştiri

Eleştiri: Promising Young Women

Seher Kavut, beş kategoride Oscar adayı Promising Young Women filmini inceledi.

Yayınlandı

tarihinde

tarafından

Promising Young Women

Son yıllarda feminist sinema, dünya kültürünün önde gelen yapımlarından biri olmaya başladı. Ancak iyi niyetli olan bazı yapımlar, çoğu zaman, kadınların erkeklere üstünlüğünü göstermeyi amaçlayan zehirli feminizmi gizler.

Aslında, “tecavüz ve intikam” türündeki oldukça basit bir hikayenin arkasında, sonsuz bir “zihinsel drama” konusu vardır.

Öncelikle Emirald Fennel‘in Killing Eve (2018) dizisinde bir kadının yüksek kaliteli ve tam teşekküllü imajını, duygusal deneyimlerini, ilişkilerini, kendi kaderini tayin hakkını ve hatta kadın zulmünü gösterdiğini söylemek gerek. Yönetmen dizide senaryo yazarı olarak rol aldı.  Killing Eve’de olduğu gibi Promising Young Woman, ana karakter Cassie’yi (Carey Mulligan) güçlü, bilinçli ve bağımsız bir ruh olarak gösteriyor, ancak aynı zamanda koşullar veya diğer insanlar tarafından kırılmış biri. “The Great Gatsby”, “Don’t Let Me Go”, “Shame” ve “Suffragette” filmleriyle tanınan Carey Mulligan, bir kez daha izleyiciye kahramanını gerçek, doğal ve biraz karikatürize edilmiş bir “intikamcı” olarak gösteriyor.

Karakterin, bir arkadaşına tecavüz eden ana kişi ve bu sahneye gülerek şahit olan bir grup insandan intikam alma şeklini görüyoruz.  Ancak her şeye umutsuzluğun, kanın ve zulüm nehirlerinin eşlik ettiği “tecavüz ve intikam” türündeki diğer filmlerin aksine, Cassie’nin intikamı daha yaratıcı, hatta daha insani ve öğretici denilebilir. Cassie’nin hedefine giden yolu, Monte Cristo Kontu, Gladyatör ve Kill Bill gibi klasik hikayelerdeki kahramanlarla eşleşiyor. Cassie gibi bu filmlerin kahramanları da intikam eyleminden hoşlanmazlar, onlar için bu sadece bir araç, amaca ulaşmanın bir basamağıdır. Bu tür hikayelerin kahramanlarının amacı, intikam aldıktan sonra huzur bulmak, adaletin sesini duyurmaktır.

Filmin başarılı ve bazı yerlerde tamamen beklenmedik oyuncu kadrosuna dikkat çekmek gerek. Bo Burnham (Sekizinci Sınıf), Laverne Cox (Orange Is the New Black), Connie Britton (American Horror Story: Murder House, Scandal), Adam Brody (Lonely Hearts, In the Land of Women “) ve Jennifer Coolidge (Legal Blonde, American Pie) beklenmedik ve çekici bir şekilde parlıyor.

 Filmin genel resmi ve ruh hali, sanki “chernukha” ve gerilim unsurları içeren bir rom-com ile çekilmesi gerekiyormuş gibi oldukça hafif görünebilir, ancak onu izleyiciye daha da yakınlaştıran şey budur. Film tam teşekküllü bir drama gibidir ama ağlatmaz. Evet, kasvetli tonlar filme alınmıyor ve özellikle bazı önemli kelimeler ve sahneler perde arkasında kalıyor, ancak izleyici resmin hafifliği, kamera çalışması ve müzikle ekranda olup bitenlerin yoğunluğunun ve duygularının farkındadır.

Filmin müziği de önemli bir rol oynuyor. Başka bir ünlü şarkı ortaya çıktığında, neredeyse iki saat boyunca takip ettiğimiz hikayeyle bağlantılı olarak orijinal anlamı ve ruh hali korunur. Bu filmde seslendirilen bazı bestelerin sanatçıları bir zamanlar sözde “kötü adamlar listesi” ne dahil edilmiş, halk tarafından azarlanmış ve mümkün olan her şekilde “kaliteli elit”ten “dışlanmış”. Filmin her kompozisyonu zekice ve dikkatle seçilmiş ve hikayeyi tamamlıyor.

Genel olarak, görsel hikaye anlatımı ve fotoğraflar için Fennell’in en iyi işi denebilir. Promising Young Woman, olağanüstü kamera çalışması, kompozisyon ve geometriye sahiptir.  Yönetmen, kameramanla birlikte küçük bir bütçeyle, ana karakterin var olduğu dünyanın iç çirkinliğinin görsel güzelliğini yansıtan parlak bir görüntü elde eder. Ve renk paletinin yetkin seçimi, filmin bazı karelerini akılda kalıcı ve çok hacimli hale getirir, bu sayede “Kız”a giderek daha fazla bakmak istersiniz. Genellikle Fennell‘in rengi, izleyicinin epizodik karakterler hakkında bilmesi gereken her şeyi söyler: İzleyicinin kahramanın etrafında gördükleri, onun kim olduğunu, ne deneyimlediğini ve senaryonun onu nereye götürdüğünü anlamak için yeterlidir.

 “Promising Young Woman“, son yılların en başarılı pop feminist filmlerinden biridir, ancak gökyüzünde yeterince yıldız bulunsa da, bir dizi başarılı yönetmenlik deneyiminden sonra bu film zamanla tepeden kaybolabilir. Senaryo biraz daha sağduyuya sahip olsaydı ve erkekler ve kadınlar arasındaki ilişkilerle ilgili sorunlara dair ciddi bir görüşe sahip olsaydı, Emirald Fennell’in filmi daha yüksek bir kesime hitap edebilirdi.

Nihayetinde, feminist sinema temasına dönersek, “Promising Young Woman” bu eğilimin biraz daha olumlu bir örneğidir, bir kadını erkeğin üstüne koymamak, istisnasız herkesi istismarcı ve pislikle eşitlememek ve aynı zamanda sorunu da ortaya çıkarmaktadır. Genel olarak, kadınlarla taciz edici iletişim kültürünü kınamayı ve bu soruna bir diyalog çözümü için çabalamayı amaçlamaktadır.

Film, hem bir sinema sanatı eseri olarak hem de feminist hareketin ana akımında kendi içinde değerli olduğu için kesinlikle izlemeye değer.

Seher Kavut

[rwp_box id=”0″]

Okumaya Devam Et
Sponsorlu İçerik

Popüler